История техники нерикоми
«Подушка для врача» династия Тан, Китай, 618–907 г
Долгое время до того, как технику стали называть нерикоми, ее использовали гончары из Египта, Рима и ранней Франции, хотя с некоторыми небольшими различиями.
«Примерно в 2000 году до н. э. в Египте создавались амулеты и фигурки из смеси цветных глин. Их цвет обычно варьировался от темно-зеленого до светло-голубого за счет смешивания оксида меди с разноцветными материалами.
В Китае же в 618-907 гг., когда правила династия Тан, гончары с помощью ручной лепки и гончарного круга создавали при низкотемпературном обжиге глиняные изделия с живописными узорами и свинцовой глазурью. А мастера династии Сун (960-1127 гг.) несколько веков пользовались другим методом: творили интересные узоры из пластинок и различных по форме элементов, окрашивая получившийся фарфор оксидом железа.»[3]
В начале XVI века Япония заимствовала китайские методы работы с цветными глинами и на их основе разработала технику нерикоми.
«Египетская косметическая баночка» 18-я династия, Мемфис, 1549–1292 до н.э «Крытая чаша Цзяотай» династия Тан, Китай, 618–907 г
«Шкатулка с крышкой» династия Тан, Китай, 618–907 г
В Японии техника нерикоми существует уже много веков. Изделия, созданные «по ее канонам работы украшали императорские дворцы, дома зажиточных самураев, представителей родо-племенной аристократии — кугэ.»[4]
«В первой половине XVIII века Сезар Мулен, сын гончара из французского региона Апт, изучил технику нерикоми в Англии. Вернувшись во вторую половину XVIII века в семейную мастерскую, он создал мраморную глину, смешав красные, черные, зеленые и белые глины из региона Венту.
Семья Пишон, которая на протяжении почти 200 лет занимается производством керамики в регионе Юзес во Франции, представила работы в технике нерикоми в начале XIX века и оказала значительное влияние на развитие этой техники. В том же веке Жан Жербино предложил новый подход, разработав технику нерикоми-мозаики.»[5]
«Курильница Цзяотай» династия Тан, Китай, 618–907 г «Блюдо на треноге» династия Тан, Китай, 618–907 г
«Кубок» династия Коре, Корея, 918–1392 г
«Крышка от кувшина» династия Тан, Китай, 618–907 г «Подушка для врача» династия Тан, Китай, 618–907 г
«Трапециевидная подушка» династия Тан, Китай, 618–907 г
«Чаша» династия Северная Сун, Китай, 960–1279 г
Во времена движения Мингэй в 1920-х годах наблюдался рост популярности восточной керамики нерикоми, которая начала экспортироваться в различные страны, охватывая Европу и Америку. Это движение стремилось возродить национальные ремесла и углубить их изучение, и его основателем был искусствовед Янаги Мунэеси.
«Особую роль в судьбе нерикоми сыграла реклама растворимого кофе „Nescafe“. Чашки с напитком, созданные в данном стиле, безумно понравились телезрителям, вызвали бум спроса на японскую посуду. В прошлом веке он стал отправной точкой интереса к восточным гончарным приемам в разных уголках планеты.»[4]
«Кофейник» Джон Эстбери, Англия, 1745 г «Чаша» династия Северная Сун, Китай, 960–1279 г
«Закрытая пивная кружка» Джон Дуайт, Англия, 1685–1690 гг. «Чайник» Джон Эстбери, Англия, 1750 г
«Глиняный кувшин из агата» Джон Эстбери, Англия, 1745 г «Молочник» Джон Эстбери, Англия, 1750 г
«Скульптура кошки» Джон Эстбери, Англия, середина 18 века
Философия
«Японские традиционные вещи из цветной глины не отличаются сложными формами, наличием дополнительных, не несущих функциональную нагрузку элементов декора. Японская керамика нерикоми — отражение менталитета жителей Страны восходящего солнца. Каждое выполненное по ее канонам изделие обладает 100% уникальным рисунком, выглядит просто, изящно, аристократично, изысканно и лаконично одновременно.
Философия нерикоми трактует создание вещей как особый процесс, который не приемлет спешки. В древнейшей технике работы с цветной глиной гармонично сочетаются противоположные явления: креативный подход и жесткое пошаговое следование тысячелетним ремесленным традициям.
«Набор ножей и вилок» Джон Эстбери, Англия, 1755 г
«Глиняные шарики» Джон Эстбери, Англия, 1780 г
Среди искусствоведов, поклонников нерикоми постоянно идут дискуссии о роли искусственных красителей. Природная глина обладает разнообразными цветами, оттенками, но их палитра ограничена. Чтобы вещи в стиле нерикоми получались выразительными, привлекательными, разнообразными, мастера используют специальные краски для глины, меняют исходные цвета сырья, воплощают свои творческие идеи. С другой стороны: есть мнение, что настоящая японская техника нерикоми исключает применение окрашивающих средств. Согласно данной точке зрения: для создания шедевров ремесла необходимы только куски природной глины, вода (которая их увлажняет, делает пластичными, пригодными для ручной лепки) и бесцветная глазурь.»[4]
«Ваза из агата» Томас Мортон, Англия, 1933 г «Деталь Цубо» Косей Мацуи, Япония, 1978 г
Связь техники нерикоми с философией Гераклита можно рассмотреть через несколько ключевых аспектов, которые отражают как философские идеи Гераклита, так и принципы, заложенные в технике нерикоми.
1. Изменчивость и постоянство Философия Гераклита: Гераклит утверждал, что «всё течет, всё изменяется», подчеркивая динамичную природу мира. Он считал, что все вещи находятся в состоянии постоянного изменения и что это изменение является основой существования. Техника нерикоми: В процессе создания изделий в технике нерикоми мастера работают с цветными глинами, которые меняются и трансформируются в ходе работы. Каждый этап создания изделия требует внимания к деталям и понимания того, как материалы взаимодействуют друг с другом. Это отражает идею о том, что даже в традиционных техниках существует место для изменений и новаторства.
«Чайная чаша, Токонамэ» Юсен Кониши, Япония, 2020 г
«Чайник, Токонамэ» Юсен Кониши, Япония, 2020 г
2. Единство противоположностей Философия Гераклита: Гераклит подчеркивал единство противоположностей, утверждая, что противоречия являются неотъемлемой частью жизни. Он говорил о том, что «борьба» между противоположностями приводит к гармонии и целостности. Техника нерикоми: В нерикоми также наблюдается сочетание противоположных элементов — креативного подхода и строгого следования традициям. Мастера смешивают разные цветные глины, создавая уникальные узоры, которые представляют собой гармонию между различными элементами. Это отражает философию Гераклита о том, что из противоречий рождается новое.
«Ваза» Томас Хоудли, Америка, 1981 г «Кувшин» Томас Хоудли, Америка, 1983 г
«Белая, серая и черная контурная сфера» Ден Девис, Англия, 2022 г «Многослойный конический боул» Ден Девис, Англия, 2022 г
3. Логос как основа понимания Философия Гераклита: Понятие «логос» у Гераклита связано с универсальным порядком и разумом, который управляет всем сущим. Он считал, что понимание этого логоса позволяет постигнуть истину. Техника нерикоми: Мастера нерикоми стремятся достичь гармонии в своих произведениях через глубокое понимание материалов и процессов. Этот процесс можно рассматривать как поиск своего «логоса» в искусстве керамики — стремление к созданию уникального произведения, которое отражает внутренний порядок и красоту.
«Бамбук» Анджела Буркхардт-Гуаллини, Швейцария, 2017 г
«Волна сокращения» Кондо Такахиро, Япония, 2017 г
Эти аспекты делают нерикоми не только техникой создания предметов искусства, но и способом выражения философских идей о мире и его природе.
Известные мастера
«Различные узоры» Лотты Вестфаэль, Дания, 2021 г
В европейских странах после второй половины XIX века художники-керамисты получили возможность познакомиться с техникой цветной глины благодаря улучшению ситуации в сфере продаж всех видов сырья и обычных материалов, используемых в керамическом искусстве, а также пигментов и оксидов с надежной цветовой палитрой.
Джон Эстбери, один из первых художников, открывших для себя практику работы с цветной глиной, усовершенствовал техники Neriage и Nerikomi на собственном опыте и сыграл важную роль в признании этих техник. Кроме того, такие художники, как Дороти Фейблман, Джудит де Врис, Дэвид Поттингер Юсуке Аида, Сакаи Мика и особенно Томас Хоудли, представили множество современных интерпретаций этой техники.
Дороти Фейблман
«Бело-голубая чайная чаша» Дороти Фейблман, Япония, 2003 г
«Деталь пустынного лотоса» Дороти Фейблман, Япония, 2006 г
«Выживание» Дороти Фейблман, Япония, 1980 г
Дороти Фейблман работает с цветным фарфором с 1969 года. Она родилась в Индиане, США, в 1951 году и изучала керамику в Рочестерском технологическом институте, прежде чем переехать в Англию, где в 1973 году открыла свою студию.
Дороти Фейблман получила международное признание за ее новаторскую экспрессию в виде полупрозрачного белого фарфора в технике нерикоми, а также за эффектное использование цвета в ее полупрозрачных изделиях.Сложнейшая техника, используемая художницей, напоминает стекольную технику «миллефиори».
«Белый боул» Дороти Фейблман, Япония, 2015 г
«Белый асимметричный сосуд» Дороти Фейблман, Япония, 1997 г
«Белая геометрическая чашка для саке» Дороти Фейблман, Япония, 1998 г
Джудит де Фриз
«Королева джунглей» Джудит де Фрис, Нидерланды, 1990-2020 «Капли и очки» Джудит де Фрис, Нидерланды, 1990-2020
Джудит де Фриз — керамистка, родившаяся в 1957 году. Она училась в академии преподавателей искусства и ремесел в Амстердаме (1978-1984). Уже во время учебы начала экспериментировать с окрашиванием глины. Изначально она остановила свой выбор на техниках, напоминающих текстильные: ткачество, плетение, лоскутное шитье, в результате чего получились очень открытые формы, сделанные из рулонов цветной глины. Узоры, похожие на икаты, полученные путем перекладывания полосок глины, также взяты из ее текстильного опыта.
В какой-то момент Джудит обнаружила, что, накладывая кусочки цветной глины друг на друга, а затем снова нарезая их ломтиками, модно добиться особых эффектов. Она думала, что создала что-то совершенно уникальное, пока не обнаружила, что использует старую японскую технику нерикоми.
«Синий фиолетовый» Джудит де Фрис, Нидерланды, 1990-2020 «Листва» Джудит де Фрис, Нидерланды, 1990-2020
«Мои работы с фарфоровой глиной сочетают в себе мою любовь к природе и изучение многослойности цвета в фарфоре. Я создаю неподвластную времени керамику в виде сосудов, скульптур и ювелирных изделий»[5]
«Огненная чаша» Джудит де Фрис, Нидерланды, 1990-2020 «Крылья» Джудит де Фрис, Нидерланды, 1990-2020
«Огненные чаши» Джудит де Фрис, Нидерланды, 1990-2020
«Огненная чаша» Джудит де Фрис, Нидерланды, 1990-2020 «Многоцветная пластина» Джудит де Фрис, Нидерланды, 1990-2020
Дэвид Поттинджер
«Чаша без названия» Дэвид Поттинджер, Австралия, 2019 г
Дэвид Поттинджер — один из лучших художников-керамистов Австралии. Он хорошо известен тем, что использует технику нерикоми.
Дэвид Поттинджер начал свое обучение керамике в колледже Кельвина Грива в 1987 году, а в 2005 году получил степень магистра изобразительных искусств в Королевском Мельбурнском технологическом институте. Его работы находятся во многих международных коллекциях и экспонировались по всему миру на многочисленных выставках, в том числе в Национальной галерее Австралии в Канберре и Музее Виктории и Альберта в Лондоне. Он живет и работает в Мельбурне, Австралия.
«Кувшин для цветов 2» Дэвид Поттинджер, Австралия, 2022 г «Сосуд» Дэвид Поттинджер, Австралия, 2022 г
«Тотем» Дэвид Поттинджер, Австралия, 2019 г «Боул #2» Дэвид Поттинджер, Австралия, 2016 г
«„Сосуды Поттинджера — это не просто прекрасные образцы техники нерикоми; он намеренно использует нерикоми, чтобы подчеркнуть многообразие прочтений, вытекающих из поверхностей и объемов его работ. Он делает это с помощью сложных наслоений и паттернов, которые создают напряженность и дополняющие друг друга ритмы вокруг работы. Этот паттерн никоим образом не является регулярным, а скорее определяется самой техникой нерикоми. При использовании этой техники часто наблюдается случайное смещение узоров вокруг сосудов, поскольку глина смещается в ответ на наслоение и процесс изготовления столярных изделий. Такое наслоение и нанесение узоров позволяет глубже рассмотреть готовые сосуды и предполагает, что формы постоянно меняются в процессе плетения, переплетения нитей внутри, снаружи и внутри горшков“.- Колин Батруни.»[5]
«Боул #1» Дэвид Поттинджер, Австралия, 2016 г «Кувшин для цветов 1» Дэвид Поттинджер, Австралия, 2022 г
Юсукэ Аида
«Каньон Неригами Ханаби» Юсуке Аида, Япония, 2013 г «Ваза» Юсуке Аида, Япония, 2014 г
«Чашка и блюдце Айя Котачи» Юсуке Аида, Япония, 2013 г
«Монумент плаза» Юсуке Аида, Япония, 1986 г
«Юсукэ Аида был выдающимся японским дизайнером керамики и промышленным дизайнером, родившимся в 1931 году и ушедшим из жизни в 2015 году. Он изучал городское планирование в Университете Тиба и керамику под руководством Кена Миянохары. Аида начал свою карьеру в США, где в 1961–1964 годах, он был главным дизайнером в Bennington Potters, штат Вермонт, где создал классическую линейку посуды промышленного производства 1961 года выпуска, которая производится до сих пор. Вернувшись в Японию, он вернулся к студийному производству керамики.
В 1970-х годах он выполнил большие керамические настенные панели для отеля Tourist в Нагоя и здания Osaka Ina building. В 1972–1974 годах он был директором Японской ассоциации дизайнеров-ремесленников, а с 1976 года — ее преемницей, Японской ассоциацией ремесленного дизайна.»[9]
Работы Юсуке Аида, известного японского скульптора, заинтересовали публику и вызвали море восторгов в конце XX века. И это неудивительно — лаконичный дизайн и природная фактура такой керамики притягивают внимание и всегда актуальны.
«Памятник керамики и водного потока» Юсуке Аида, Япония, 1990 г
Памятник «Стоящим на рассвете» Юсуке Аида, Япония, 2017 г
«Поэзия на Луне» Юсуке Аида, Япония, 2014 г «Поэзия на Луне» Юсуке Аида, Япония, 2014 г
«Стоящая в космосе» Юсуке Аида, Япония, 2011 г
Ханс Мунк Андерсен
«Шестиугольный темно-синий боул» Ханс Мунк Андерсен, Дания, 1992 г «Шестиугольный игзагообразный серый» Ханс Мунк Андерсен, Дания, 1985 г
«Морская раковина» Ханс Мунк Андерсен, Дания, 1985 г «Морская раковина 2» Ханс Мунк Андерсен, Дания, 1983 г
«Шестиугольный зигзагообразный розовый боул» Ханс Мунк Андерсен, Дания, 1983 г
«Ханс Мунк Андерсен — датский керамист, известный своими уникальными работами в области керамики. Он родился в 1943 году в Оденсе, южной части Дании, в 1968–1971 годах был членом королевского общества Копенгагена в Копенгагене, Дания. В 1973 году он основал компанию вместе со своей женой в доме на острове Борнхольм, а с 1975 года также руководил компанией совместно с Гердом Хиортом Петерсеном. Ханс Мунк Андерсен создал уникальный сосуд — неглазурованную крашеную посуду porlsinslera, украшенную мозаикой лучших пастельных тонов.»[8]
Ханс Мунк Андерсен, Дания, 2015 г
Ханс Мунк Андерсен, Дания, 2015 г
Томас Хоудли
«Боул» Томас Хоудли, Америка, 1985 г «Ваза» Томас Хоудли, Америка, 1988 г
«Ваза» Томас Хоудли, Америка, 1985 г
«Томас Хоудли родился в 1949 году, вырос в Нью-Гэмпшире и окончил колледж Амхерст в 1971 году, затем получил степень магистра керамики в Университете штата Иллинойс»[7]. Его работы включены в коллекции многих государственных музеев, включая Национальный музей американского искусства — галерею Ренвик, Музей изящных искусств — Бостон, Музей изящных искусств — Филадельфия и коллекцию ремесел Белого дома (сейчас находится в Библиотеке Клинтона). Ходли является лауреатом стипендии художников Массачусетса, двух грантов NEA и Бронзовой медали Международного фестиваля керамики Mino ’95, город Тадзими, Япония. Его работы выставлялись и публиковались как на национальном, так и на международном уровне.
В его работах рисунок и структура становятся едиными. Работы Хоудли переводят удивительную пластичность глины в визуальный формат. Прямые параллельные линии создаются путем наложения друг на друга кусочков глины разного цвета, но при обработке получившегося мягкого куска глины линии становятся волнистыми и сужаются до ширины волоса.
«Боул» Томас Хоудли, Америка, 2003 г
«Боул» Томас Хоудли, Америка, 2005 г
«Чайная чаша „Волна“ с глазурью „Серебряный туман“» Томас Хоудли, Япония, 2020 г
Ито Сэкисуи V
«Шкатулка с цветочными узорами» Ито Сэкисуи V, Япония, 2016 г «Квадратная ваза с цветочным узором» Ито Сэкисуи V, Япония, 2016 г
«Ито Сэкисуи V — японский керамист, родился в 1941 году ипринадлежит к древней японской керамической династии и является керамистом в 14 поколении. Продолжить семейные традиции ему было предназначено уже при рождении: мальчику родители дали имя Ёити Ито, где первый символ в имени („йо“) является японским словом для обозначения печи.
Художник давно и успешно работает с местной глиной, собранной на золотых рудниках острова Садо, где он родился и вырос и экспериментирует с различными обжигами с использованием стекла, перенося вековые традиции в современное искусство.
Работы художника весьма различны по форме и функционалу: это и элегантные слоеные миски и фактурные красно-черные вазы. Самые же известные работы керамиста напоминают ископаемые предметы, вытащенные из пепла после извержения вулкана.»[6]
«Тарелка с цветочным узором» Ито Сэкисуи V, Япония, 2016 г
«Большая миска в полоску» Ито Сэкисуи V, Япония, 2016 г
«Ито Сэкисуи V наиболее известен своими высококлассными сосудами нерикоми. Эта работа началась в начале 1980-х годов. Используя красную глину мумиёи и местную желтую глину для обжига, а также их смеси, он применяет технику нерикоми для создания красивых каскадов цветочных лепестков и цветов, часто на глубоком черном фоне, который подчеркивает узоры. В этой технике он также создавал мозаичные, полосатые и градиентные узоры. Эти работы отличают его от работ его предков, хотя использование местных глин связывает эти новые работы с семьей и, в более широком смысле, с традициями Садо. Его опыт в традиционном гончарном стиле йоэн, а также новаторское использование глины мумиёи в изделиях нерикоми привели к тому, что в 2003 году Ито Секисуи V был назван „Живым национальным сокровищем“. Многие считают эту честь завершением карьеры, но Ито продолжает стремиться, по его словам, „создавать то, чего никогда не существовало, что-то новое и привлекательное“.»[5]
«Квадратная база с цветочным узором» Ито Сэкисуи V, Япония, 2016 г «Цилиндрическая ваза с цветочным узором» Ито Сэкисуи V, Япония, 2016 г
Косей Мацуи
Косей Мацуи, Япония, 1973 г
«Мацуи Косеи (Matsui Kosei) — гончар, мастер в технике Neriage, национальное достояние Японии. Родился 20 мая в Нагано в 1927 году. В 1946 году начал учиться керамике. В 1957 году стал священником в храме Getsusoji и обучался у знаменитого скульптора Коичи Тамуро. В 1960 году построил печь, чтобы изучать традиционные китайскую, японскую и корейскую керамику. Мацуи прославился своими изделиями в технике neriage, которая основана на технике династии Тан.
Косей Мацуи вложил много сил в возрождение техники нерикоми, которую он начал создавать изучив образцы древней китайской посуды, когда был священником в Храме. Мацуи намного превзошёл своих предшественников-гончаров, разработав методы создания абстрактных геометрических узоров, укладывая слои цветной глины придав им грубую текстуру. Его обширные исследования в этой области привели к всемирному признанию.»[10]
«Ваза Нендзе» Косей Мацуи, Япония, 1973 г «Колоннообразный сосуд» Косей Мацуи, Япония, 1973 г
«Гималаи» Косей Мацуи, Япония, 1985 г «Струящаяся река и плывущие облака» Косей Мацуи, Япония, 1986 г
«В период с 1976 по 2001 год Мацуи разработал восемь новых методов в рамках общей категории нериажа, что в конечном итоге привело к тому, что в 1993 году он был назван Живым национальным сокровищем в качестве мастера техники нериажа. Стилистические группы работ были связаны с этими восемью техниками. Иногда Мацуи объединял техники, чтобы создать еще больше творческого разнообразия. Они включают в себя:
Кезуримоно, что в переводе с переводом «стружка», соскобленное и обрезанное (до 1975 года). Шорцу, переведенное как «различные линии» или «строки», оценено с помощью различных расчесывающих инструментов (1975). Shoretsu Fine Porcelain, потрескавшийся поверхностный слой, через который можно увидеть цветное тело (1976). Аканеде, с характерным красным цветом (1981). Ламинированный, включая ламинированную инкрустацию и под инкрустацию (1983). Нерегулярные и неопределенные узоры с несколькими цветами, часто с текстурами, похожими на те, что были в более ранней работе Shoretsu (1985). Фухакудзи, переводится как «нет ночи», описанная Мацуи как напоминающая «слои земли, выявленные после песчаной бури», преобладают земные тона с более яркими акцентами. Этот метод конкретно относится к текстуре поверхности (1987). Сэйхаку, «прозрачный белый», изготовленный из ярко-белой новозеландской глины с широким разнообразием красочных пигментов и оксидов металлов.»[5]
«Боул» Косей Мацуи, Япония, 1980 г «Ваза» Косей Мацуи, Япония, 1978 г
«Ваза» Косей Мацуи, Япония, 1990 г «Грустные мысли» Косей Мацуи, Япония, 1988 г
Некоторые из работ Мацуи «Сёрецу», особенно конец 1970-х — начало 1980-х годов, являются результатом экспериментов с техникой использования различных глин. Если внешний слой глины, имел более высокую степень усадки, чем нижележащий слой, то он усаживался во время сушки и обжига. В результате усадки этот слой отходит от самого себя, создавая тонкую текстуру трещин по всей поверхности. Контрастный нижний слой выявляет текстурные и цветовые компоненты декора поверхности. Вариации этой техники включали в себя процарапывание внешнего слоя тонкой гребенкой, которая придавала направление красивому узору тонких трещин по мере их развития по поверхности в период усадки.
Использование более крупного гребенчатого инструмента стало доминирующим способом декорирования в других кувшинах, гребенка вставлялась более глубоко в толстую стенку сосуда, создавая выразительные плавные и часто многоцветные параллельные полосы глины, выступающие над поверхностью. Эти полосы трескались по мере высыхания и «усадки» работы, создавая сложное сочетание тонких завихрений цветной глины, покрытой уникальной текстурой. Использование цвета в композициях Мацуи сильно варьировалось на протяжении его творчества: от спокойного и сдержанного до более яркого, с множеством этапов между ними.
«Ваза» Косей Мацуи, Япония, 1980 г «Ваза» Косей Мацуи, Япония, 1981 г
